Paul Marvin Rudolph fue un arquitecto estadounidense. Nacio en Elkton, Kentucky, en 1918. Se graduó en el Instituto Politécnico de Alabama y estudió arquitectura bajo la tutela de Walter Gropius –fundador de la escuela Bauhaus- en Harvard.
Llego a ser el decano de la Yale School of Architecture durante seis años. Ahí su obra más conocida es el Yale Art and Architecture Building, un edificio de hormigón diseñado usando un estilo brutalista.
Después de su estancia en Yale Rudolph continúo durante 30 años creando algunos de las más poderosas obras de la Arquitectura Moderna.
Dentro de las obras realizadas por el arquitecto destacamos el Townhouse del diseñador de modas estadounidense Roy Halston, la que ha sido recreada de forma soberbia en la recientemente estrenada serie “Halston”. La propiedad hoy le pertenece al también diseñador Tom Ford, comprada en 18 millones de dólares.
La fundación, dedicada a proteger y mantener el legado del creador, Paul Rudolph Fundation, cuenta con un espacio físico en la ciudad de Nueva York, espacio que fue diseñado y construido por el arquitecto, y que fue su estudio y el de la compañía y laboratorio de iluminación Modulightor fundado junto a Ernts Wagner.
Este fabuloso espacio es el que revisamos en esta nota, espacio que es posible de visitar cada dos meses en las llamadas “Open House Visit” que organiza la fundación.
Esta edificación de 4 pisos de estructura en acero fue uno de los ultimo proyectos del arquitecto, el que sostiene y reúne todas las premisas sobre el habitar y la espacialidad del arquitecto y diseñador.
Te invitamos a dar una vuelta junto a nosotros por este increíble espacio compuesto por mucho blanco, espacio despejados, iluminación a medida, mobiliario de superficies traslucidas y brillantes, junto a una colección de arte y objetos tribales.
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Videoanimación y arte sonoro.
Las artistas Nicole L’Huillier y Patricia Domínguez se han unido para crear Leche Holográfica, una súplica meditativa. A partir de la comunión de sonidos e imágenes que fluyen en la dulzura de la Leche Holográfica, las artistas nos incitan a imaginar nuevos futuros basados en una producción sustentable y no extractivista.
La invitación es a oír las nutritivas canciones de la Gran Madre, a recibir su chorro de información, una vibración de sabiduría sónica que nos empuja hacia adelante, mientras navegamos estos tiempos turbulentos.
Las artistas invitan a sumergirse con ellas en un viaje metamórfico de conexión, desde el cuarzo y la silicona que conforman nuestros huesos, el centro de la Tierra y los chips de nuestros dispositivos electrónicos para llamar aquello que es común a todos.
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Este 2021 la industria de la moda recibió una triste noticia, la muerte del gran Pierre Cardin. De origen italiano y una vida, y carrera, hecha en Francia, Monsieur Cardin nunca dejó de sorprendernos y fascinar con su visión, una que siempre tuvo mucho futuro.
Este destacado se lo dedicamos a él, y a la maravillosa retrospectiva que tuvimos la suerte de visitar en el Museo de Brooklyn en Nueva York, el pasado 2019.
Con el título “Pierre Cardin: Future Fashion” se realizó la primera retrospectiva en 40 años con foco en este legendario couturier, en la ciudad de Nueva York.
Primordialmente tomando los trabajos de archivo de Pierre Cardin, esta exhibición atraviesa las varias décadas de carrera en moda que este creativo desplegó.
Reconocido hoy por sus potentes diseños, de corte futuristas de los años 60’s, 70’s y 80’s, Cardin extendió su trabajo, y concepto creativo, a las áreas del diseño industrial, de ambientes, mobiliario y más.
La exhibición presenta 170 objetos tomados del archivo de su atelier, contemplando piezas de alta costura, contemporáneas y de archivo, accesorios, mobiliario, luminarias, bocetos, fotografías personales, y documentos filmográficos. Todo desplegado en ambientes inspirados, y que en parte replican, su taller, casa y showrooms.
Sin duda un recorrido por su historia y genio creativo, atravesando por su trabajo para la colección “Cosmocorps” de 1964 en la que incorporó materiales innovadores como el vinilo, plástico y telas sintéticas elaboradas por el mismo, para luego pasar a chaquetas de hombro amplios, modelos de inspiración japonesa basada en el origami, sets unisex, enteritos tejidos complementados por chalequillos, faldas, y accesorios de joyería realizados en la década de los 80’s.
También más reciente una línea de alta costura masculina, su último trabajo.
“Pierre Cardin: Future Fashion” fue curada y diseñada por Matthew Yokobosky, Curador Senior del departamento de Moda y Cultura de Materiales, del Brooklyn Museum.
Texto y fotografías propiedad de Proyecto Metanoia.
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Dirigida por Alfredo Lamadrid “Todo Por Nada” narra la historia de Alejandra, una joven promotora de supermercado que quiere escalar posiciones en el mundo de la televisión y la publicidad.
Aconsejada por una amiga, ella comienza a buscar oportunidades relacionándose con hombres influyentes en el medio, que también buscan tomar ventaja de su atractivo y belleza física.
Con sagaces “placements” publicitarios a lo largo del film, aparecen también interminables cameos de connotados rostros televisivos de la época. También algunas locaciones y eventos, le dan pulso y nos sitúan en la narrativa total.
La película grafica un Chile que se abre a una incipiente época de despegue económico e influencias extranjeras, sin perder -visto en perspectiva- su ingenuidad y sencillez, contrapuesta a la exuberancia y derroche tan característico de los 80’s, lo que la hace dueña de una estética particular, y propia de ese tiempo de transición.
En un tono de teleserie, y algo de inexperiencia en la realización de un largometraje, con su infinidad de clichés queda como un testamento vivido de una sensibilidad e idiosincrasia.
Si bien la película intenta ser una denuncia a la corrupción y superficialidad del medio televisivo, también pone en escrutinio como una mujer podría abrirse paso, y crecer, en un medio competitivo como éste, donde sus ambiciones quedan estrechamente vinculadas a estos hombres que la acompañan en tono machista y donde su incipiente ascenso es castigado con el costo de quedar, y llegar, sola a la cima de su anhelado éxito.
¿Qué cosas han cambiado, y cuáles no?, ¿Cómo es el Chile de hoy y nuestra sociedad 30 años después? Son preguntas que se pueden revisar a través de esta pieza filmográfica, que, aún cuando parezca “ligth”, es parte de lo que fuimos, o somos.
Haz click en este link para ver el film completo, desde el archivo abierto de la Cineteca Nacional.
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Tomando lugar en una de las salas del Met Breuer -edificio icono de la arquitectura moderna, obra de Marcel Breuer- hoy propiedad del Museo Metropolitano de Arte, y sirviendo como Museo de Arte Moderno y Contemporáneo en la ciudad de Nueva York, visitar este landmark arquitectónico y presenciar esta exposición resultan ser toda una experiencia, la que revisaremos a continuación en esta nota original para Metanoia Papers.
Compuesta por treinta y dos contenedores, como jarrones y objetos decorativos, todos parte de la colección propia del Museo, “Vessel Orchesta” es la primera instalación sonora comisionada por el MET.
Su autor, el artista británico Oliver Beer (nacido en 1985) amplifica notas de música tipo ambiental, dispuestas para ser emitidas por cada una de las vasijas de la instalación usando micrófonos y parlantes, convirtiéndolas de forma inesperada y cautivadora en versátiles instrumentos musicales.
Con objetos que van desde la antigua cultura Persa, hasta piezas modernistas Americanas, esta instalación exhibe, y conecta, obras a través de diversos periodos histórico-culturales, recreando un retrato auditivo de la colección del MET.
Como parte de sus conocimientos musicales la obra de Beer revela propiedades ocultas en objetos, cuerpos y espacios arquitectónicos. La relación de lo social y lo familiar es el plano donde se desarrolla su obra multidisciplinaria, que se vinculan con inquietudes relativas a lo intimo y a lo universal, tales como el significado personal y cultural que contienen los objetos que poseemos.
Durante el horario de apertura del Museo una interface de audio pre-programado toca una nueva composición escrita por Beer, sacando tonos a las vasijas en tiempo real, en un estilo de “piano en vivo”. Los Viernes por la tarde un grupo de músicos invitados activan las vasijas con nuevas e improvisadas composiciones musicales, como parte de una serie de conciertos íntimos.
Algunos de los artistas invitados a ser parte de esta performance musical fueron: Ekmeles, Bruce Brubaker, Mashrou Leila, Nico Muhly, Matana Roberts, Women's Raga Massive, y John Zorn.
Te dejamos un registro fotográfico y auditivo de esta obra sonora e instalación que nos cautiva con su simple sofisticación.
Ingresa Aquí para ir a un vídeo de la exposición.
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Como cada año, la Gala inaugural del MET celebra la apertura de la exposición del Costume Institute, siendo una de las citas más importante del mundo de la moda. El año 2019 llevo por nombre: “Camp: Notes on Fashion”.
LA TEMÁTICA
El tema que centro, tanto la exposición del Costume Institute, como el dress code de la Gala inaugural en el Metropolitan Museum of Art de la ciudad de Nueva York, fue un concepto que desarrolló en un ensayo la intelectual, directora de cine y ensayista, Susan Sontag y que publicó el año 1964 en la revista de literatura y política Partisan Review.
El nombre del ensayo es "Notes on Camp" y se posiciono como una de las temáticas más profundas y complicadas que ha tenido que asumir esta muestra, que en otros años se centro en el arte religioso o la inspiración japonesa en la moda.
¿QUÉ ES EL CAMP?
Cine, literatura, arte, diseño, arquitectura. Muchos son los ámbitos que se tocan los 58 puntos del ensayo de Susan Sontag para describir el Camp. Y respecto a la moda, es muy escueta: "La esencia del Camp es un amor por lo poco natural, por el artificio y la exageración. El Camp es esotérico, algo de código privado, un emblema de identidad incluso, entre pequeñas hermandades urbanas".
CAMP ES UNA SENSIBILIDAD, NO UNA IDEA
En el punto 38, Sontag afirma que "el Camp es la experiencia estética del mundo. Encarna una victoria del estilo sobre el contenido, de la estética sobre la moralidad, y de la ironía sobre la tragedia". Otros términos relacionados con el Camp serían la androginia, lo pasado de moda o demodé, una visión sentimental del pasado o la moda como juego que huye de la seriedad.
Por medio de más de 250 objetos desde el siglo XVII hasta el presente la exposición explora los orígenes de la exuberancia estética del Camp. Todo enmarcado en el ensayo de la Sontag, que explora y examina como la ironía, el humor, la parodia, los pastiches, el artificio, la teatralidad y la exageración son expresados en la moda.
En una segunda etapa explora como diseñadores e iconos de la cultura han utilizado el Camp para cuestionar ideas sobre el gusto, el genero, la raza y la sexualidad.
Acá te dejamos con un recorrido de esta exposición por medio de imágenes registradas de forma original por nosotros, junto a la invitación a que explores mas por tu cuenta sobre esta temática tan entretenida e infinita de definir y descubrir, como la moda y la vida misma.
Texto y fotografías propiedad de Proyecto Metanoia.
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El reconocido diseñador Azzedine Alïa, nacido en Túnez en 1940 pudo, a través de la influencia de sus dos hermanas, comenzar a desarrollar su gusto exquisito por la moda a temprana edad. Comenzó su carrera como asistente de modisto antes de graduarse, a la vez que recibía clases de escultura en la Escuela de Bellas Artes de Túnez. Estas ultimas le aportaron sin duda una visión innovadora con respecto a las formas y necesidades del cuerpo femenino.
A finales de la década de los cincuenta se traslada a París, donde trabajará con grandes diseñadores como Christian Dior, Guy Laroche y Thierry Mugler.
En la década de los setenta abrió un pequeño atelier en la rue de Bellechasse, en pleno barrio de Le Marais. Este barrio parisino se convirtió en el enclave donde Alaïa comenzó a experimentar con las técnicas que usaban los modistos de la época, para perfeccionarlas y ampliar sus posibilidades. Durante los años 80 y 90 Grace Jones y Greta Garbo fueron algunas de las personalidades más afines al diseñador, en tanto la modelo Naomi Campbell se convirtió en la musa de la firma.
Para sorpresa general, en 1991 se produce la colaboración de este respetado modisto con la tienda Tati, conocida firma francesa por ser "de bajo costo". En ese momento era una total novedad este tipo de alianzas entre diseñadores famosos, y firmas de consumo masivo.
¿Cómo se produce esta colaboración?
Azzedine se acerca a Tati a través de su amigo Julian Schnabel. El artista estadounidense, quien se había acercado a Tati anteriormente para utilizar sus distintivos “cuadros en trama” -trazo grafico insigne de la marca- como lienzos para pintar. Cuenta el artista "Y al mismo tiempo, de repente tuve esta idea: qué pasaría si Azzedine, conocido por su ropa exquisita pero muy costosa, pudiera usar esta tela con el eslogan Tati”…Y con solo una llamada telefónica, Alaïa obtiene el famosos tramado de Tati. A cambio se comprometió a crear una bolsa, alpargatas y una camiseta para las tiendas de la firma insigne del mercado de moda de masas.
Sobre la exposición.
La Asociación Azzedine Alaïa, destaca este hito que marcó la historia de la moda, a través de una exposición homenaje, realizada por el talentoso Olivier Saillard (ex director del Palais Galliera) de las piezas que compusieron esta colección capsula Primavera Verano 1991. También se encuentran expuestas ilustraciones de Thierry Pérez, fotos y filmaciones de Ellen Von Unwerth, con modelos como Naomi Cambell, llevando los diseños.
La exposición se presenta donde Alaïa realmente vivió, y tuvieron lugar los desfiles de moda, hace ya casi 30 años.
“Azzedine Alaïa, Another Way to Look at Fashion: The Tati Collection” transcurrió entre el 1ro de Julio, 2019 al 5 de Enero, 2020, en la calle 18, rue de la Verrerie 75004 Paris, en la asociación de Azzedine Alïa.
Texto: María Trinidad Irarrázaval.
Material fotográfico propiedad de Proyecto Metanoia.
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El arte tiene el poder de conectar, crear comunidad, sanar, definir los tiempos e iniciarlos. Así lo establece en su declaración de principios MIA art collection, colección privada de arte de la filántropa y directora de museos chilena radicada en Dubái, Alejandra Castro Rioseco.
Con el compromiso, y gusto por visibilizar el trabajo de artistas mujeres, inicia esta colección bajo su mirada feminista. Con piezas únicas que expresan las inquietudes e ideas de la mujer artista, se conforma esta colección que no deja de lado la discriminación a la que se ven enfrentadas día a día las mujeres en esta disciplina.
Una colección de arte solo de mujeres, y que ha sido creada por mujeres, que busca a través de distintos proyectos ligados al arte, visibilizar el trabajo de las mujeres por el mundo.
Y el equipo de MIA no se detiene, menos en momentos de crisis, y es aquí donde nos sorprende con una inteligente iniciativa; MIA Anywhere. Un museo virtual, donde se encuentra expuesta parte de la colección privada, junto a una selección de obras por artistas mujeres, las que van rotando en intervalos de dos semanas.
Siendo un espacio abierto a recibir postulaciones, esta iniciativa virtual se planta como una acertada plataforma y oportunidad de exposición en los tiempos que vivimos, en los que nos vemos enfrentados a pasar gran parte de el recluidos en casa.
Nos encantamos con este recorrido digital, y con las ideas arraigadas detrás de este, donde vemos como viejos hábitos son reemplazados por otros nuevos.
Te invitamos a que des tu primer paseo por este espacio que se encuentra, por ahora, "en cualquier lugar".
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La escena floral globalmente, en estos últimos diez años, se a visto envuelta en una explosión creativa, y de sofisticación en su técnica, como nunca antes se vio en tan corto tiempo.
Si bien siempre ha sido una disciplina celebrada y propia de ciertos espacios -infaltables en salones de entrada en grandes hoteles, museos o restaurantes de cierta categoría- así como imprescindible en celebraciones, y también a modo de un gusto personal contar con ellas en casa. Sin embargo esto se hizo bajo una “norma estética” en el último período, en un cierto ideal de buen gusto, mas o menos similar entre una propuesta y otra. Pero esto sin duda cambio.
Se puede hacer seguimiento a algunos hitos recientes, como los grandilocuentes decoraciones florales, con muros de piso a techo tapizados en flores, para las presentaciones de Dior, al mando de Raf Simons y ejecutadas por Bureau Betak, o el sello único del americano Jeff Leatham y su singular manera de acomodar las flores, en inmensos jarrones distribuidos por el espacio, para hall del Four Season George V en París. Pero esto jamás se pensó como precedente a la oleada de neo floristas, con habilidades y expertise en arte y diseño, quienes tomaron esta disciplina y la llevaron al siguiente nivel, haciéndonos vivir un relato onírico a través de este oficio.
Nacieron innumerables instancias dedicadas a narrar y enumerar las escuelas, salones, encuentros, festivales, artistas y creativos que hoy brillan en el firmamento floral y se encuentran a disposición en redes sociales. Y es que ha regresado, y con fuerza, el amor y la fascinación por el arte de ornamentar y componer botánicamente.
Es entre todos estos alquimistas florales aparece una que especialmente destaca por su singular manera de componer, y que tiene una parte de su vida enraizada en Chile. Carolina Spencer Vivallo es chilena, con estudios de Diseño en la Universidad Católica de Chile, quien partió hace ya alrededor de 15 años a Barcelona.
Estando allá comenzó a cultivar y especializarse en este fascinante mundo. Asistiendo a otra grande de esta disciplina, la florista australiana radicada en España, Donna Stein, es que aprendió gran parte de lo que sabe. Luego emprendió con sus propias ideas en una un incipiente proyecto de vasijas cerámicas que reúnen características estéticas propias del país donde reside, ya que ella misma les creó y manufacturó localmente, con un giro purista algo oriental.
Ahí es donde nace la relación entre objeto y elemento floral, que luego lleva a una exploración visual, en un persistente código Ikebana renovado que ha conquistado a una inmensa audiencia, llevándola a realizar las mas fascinantes colaboraciones y posicionando sus piezas en almacenes de la talla de Gallerie Laffayette, en París, Francia.
Matagalán nos aclara que las flores -al regalar o recibirlas-, son mucho mas que un gesto de galantería. Te dejamos parte de las mas hermosas colaboraciones y composición en su sello único, para que la descubras y te encantes tanto como nosotros de ella.
También puedes sumergirte en “Flower Girl”, moda editorial de nuestra autoría, donde Carolina, en su paso por Chile, colaboró con nosotros para la realización de los elementos florales de esta historia, retratada en Enero de 2020.
Material fotográfico propiedad de Matagalan.
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